Su obra abarcó, desde la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y es precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
La dificultad para definir a Goya es precisamente lo que lo mantiene tan vivo y lo hace tan sorprendente: pintor de la corte, sátiro, reportero bélico con un gusto tanto por lo brutal como por lo refinado. Se alimentaba de la cultura popular, pero era mucho más que un simple hombre del pueblo, era un reportero y un “moralista”.
Vamos a comprobar como, a lo largo de su vida y muy influenciado por sus circunstancias, el artista fué evolucionando y pasando de un barroco tardío de caracter religioso,en su Aragón natal, a descubrir el Neoclasisísmo en su viaje a Italia , para adoptar luego un estilo costumbrista rococó al entrar en la Fabrica de Tapices o a deslumbrarse con el Velazquez de las colecciones reales, cuando le nombraron pintor de cámara en la corte.
De como su estilo se vió afectado por la grave enfermedad que sufrió en 1793 y tambien, como la Guerra de la Independencia, volvió a marcar la temática en sus cuadros y como al final dió lugar a sus impresionantes "Pinturas Negras".
Por último, destacar una especie de "renacimiento" que apareció en la última etapa de su vida, cuando ya estaba exiliado en Francia, libre de la opresión política producida con la llegada de Fernando VII al trono y que se manifestó llena de color en "La lechera de Burdeos"
En esta ocasión, ademas de exponer una muestra de algunas de sus obras en orden cronológico, hago hincapié en tres series, ademas de las archiconocidas por todos: Dos de ellas son murales como los frescos de la Florida y los de la Quinta del Sordo, diametralmente opuestos en estilo y temática pero interesantísimos y otra serie son sus pinturas "salvajes" quizá muy poco conocidas.
Y nada mas, solo decir que Goya fue uno de esos pocos artistas que tuvo la osadía de abordar la totalidad de la condición humana. Y a casi 200 años de su muerte, enfrentarse a un Goya, sigue siendo, enfrentarnos a nosotros mismos.
Vicente López, precisamente el hombre que sustituyó a Goya como pintor de cámara de Fernando VII justo antes de marchar a Burdeos, realizó este soberbio retrato de su admirado Goya, impecablemente vestido, con los atributos de su profesión, y la expresión clara y franca que poseen aquellas personas de edad que han visto tanto en la vida.
Esta pintura que se encuentra en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando es un autorretrato de busto, contemporáneo del que conserva el Museo del Prado con el pintor próximo a cumplir los 70 años.
En abril de 1771 se encontraba en Roma. De su estancia en Italia se sabe muy poco. Éste viaje se relaciona con el deseo de Goya por aprender. Fué un viaje de corta duración. Desde Roma envió un cuadro "Árbol en los Alpes" a un concurso abierto por la Academia de Parma en el que obtuvo una mención honorífica. Su estilo de éste momento se conoce gracias a una pareja de lienzos "Sacrificio a Pan" y "Sacrificio a Vesta", obras provistas de firma y fecha. Era un estilo juvenil influenciado por Corrado Gianquinto maestro de Velazquez.
A mediados de 1771 Goya había regresado a Zaragoza, donde en octubre del mismo año se le confió la pintura de la bóveda del coreto del Pilar.
AULA DEI 1774
La Cartuja de Aula Dei de Zaragoza obtuvo el permiso fundacional en 1563Toda la iglesia fue decorada en el siglo XVIII, contando con un conjunto de pinturas murales al óleo pintadas por Francisco de Goya en 1774. De los 11 murales enormes para el Aula Dei narrando la vida de la virgen María; lamentablemente de la obra de Goya en ese lugar ya no queda prácticamente nada, en la actualidad quedan 7, algunos de ellos bastante restaurados, 4 fueron sustituidos a principios del siglo XIX muy dañadas durante los abandonos del cenobio y restauradas ya inicialmente a comienzos del siglo XX
MADRID Obras entre 1746 y 1780
Desde su llegada a Madrid para trabajar en la corte, Goya tiene acceso a las colecciones de pintura de los reyes, y el arte del aragonés tendrá en la segunda mitad de la década de 1770 un referente en Velázquez.
Desde su llegada a Madrid para trabajar en la corte, Goya tiene acceso a las colecciones de pintura de los reyes, y el arte del aragonés tendrá en la segunda mitad de la década de 1770 un referente en Velázquez.
Su
ascenso social y profesional es notable y así, en 1780, es nombrado por
fin académico de mérito de la Academia de San Fernando. Con motivo de
este acontecimiento pinta un Cristo crucificado de factura ecléctica
donde muestra su dominio de la anatomía, la luz dramática y los medios
tonos, en un homenaje que recuerda tanto al Cristo de Mengs, como al de
Velázquez.
Goya comienza su labor, menor como pintor, pero importante para introducirse en los círculos aristocráticos, para unos cuadros destinados a la decoración de las estancias reales, donde primaba el buen gusto y la observación de las costumbres españolas; todo ello, además, dotando a la escena de encanto no exento de variedad en la unidad. No es aún realismo pleno —si bien algunos de sus óleos para cartones denotan verismo, como La nevada (1786) o El albañil heridO
El quitasol, un cuadro que logra un magnífico equilibrio entre la composición de raigambre neoclásica en pirámide y los efectos cromáticos propios de la pintura galante.
Es en esta etapa, y sobre todo tras su enfermedad de 1793, cuando Goya hace lo posible para crear obras ajenas a las obligaciones adquiridas por sus cargos en la corte. Cada vez más pintará obras de pequeño formato en total libertad y se alejará en lo posible de sus compromisos
No tenemos más noticias suyas hasta 1794, año en que el pintor envía a la Academia de San Fernando una serie de cuadros «de gabinete»: son un conjunto de obras de pequeño formato entre los que se encuentran ejemplos evidentes de Lo Sublime Terrible: Corral de locos, El naufragio, El incendio, fuego de noche, Asalto de ladrones e Interior de prisión
LAS MUJERES Y GOYAEn cuanto a los retratos femeninos, conviene comentar los relacionados con la Duquesa de Alba. Desde 1794 acude al palacio de los duques de Alba en Madrid para hacer el retrato de ambos. Pinta también algunos cuadros de gabinete con escenas de su vida cotidiana, como La Duquesa de Alba y la Beata y, tras la muerte del duque en 1795, incluso pasará largas temporadas con la reciente viuda en su finca de Sanlúcar de Barrameda en los años 1796 y 1797. Su relación con Goya acarreó más cotilleos y habladurías sexuales que las que causó cualquier otra historia de relaciones en el arte
Sin embargo, Goya también se sentía atraído por las chicas de la calle, “La maja vestida” y luego “La maja desnuda” pintadas entre 1790 y 1800 para Godoy.
En ambas pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer real, contemporánea de Goya, e incluso en su época se le llamó «la Gitana».y forman parte de las pinturas más famosas del mundo Y siempre se ha especulado con que la retratada fuera la conocida duquesa de Alba,
Supone la primera realización española de una serie de estampas caricaturescas, al modo de los que había en Inglaterra y Francia, pero con una gran calidad en el manejo de las técnicas del aguafuerte y el aguatinta —con toques de buril, bruñidor y punta seca.
Trataban de difundir la ideología de la minoría intelectual de los ilustrados, que incluía un anticlericalismo más o menos explícito
El aguafuerte «El sueño de la razón produce monstruos» es el grabado mas emblemático de la serie de los Caprichos del pintor español Francisco de Goya. Está numerado con el número 43 en la serie de 80 estampas. Se publicó en 1799.Interpretacion de Manuscrito de la Biblioteca Nacional: «Portada para esta obra: cuando los hombres no oyen el grito de la razón, todo se vuelve visiones»
Gaspar Melchor de Jovellanos, el Ministro de Gracia y Justicia, fue retratado por Goya en Aranjuez en abril de 1798 y es uno mas de los numerosos retratos que hizo Goya por aquella época.
Este oleo se expone en el Museo del Prado de Madrid
Antes de que finalizara el siglo XVIII Goya aún pintó tres series de cuadros de pequeño formato que insisten en el misterio, la brujería, la noche e incluso la crueldad , Donde los que destacan los realizados para la decoración de la quinta "El Capricho" de los Duques de Osuna,Todos ellos con temas brujeriles:
"El aquelarre" Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Estos
cuadros son: "La cocina de los brujos", "Vuelo de brujas", "El conjuro"
y "El aquelarre", en el que unas mujeres de rostros avejentados y
deformes situadas en torno a un gran macho cabrío —imagen del demonio—,
le entregan como alimento niños vivos
LA PRADERA Y LA ROMERIA DE SAN ISIDRO
Entre sus obras, existen dos cuadros sumamente interesantes que resumen la dilatada trayectoria artística de este genio, ambos representaban la misma festividad, el mismo tema, pero si los miramos de manera separada, parecen hechos por dos artista distintos, uno positivo, iluminado, apasionado por la vida y sus circunstancias, y otro depresivo, taciturno, fiero y sarcástico. Sus cuadros sobre la festividad de San Isidro presenta este curioso paralelo: en el cuadro temprano:"La pradera de San Isidro" 1788, la escena es casi impresionista y su ambiente es de bienestar social y alegría, como si en el cuadro citara las ganas de pertenecer a este Madrid; 30 años después Goya volvió a pintar el tema con un resultado muy distinto. En “La romería de San Isidro”1822, nos encontramos con una agitada fila de mendigos y gitanos, personas de dudosa procedencia, arrastrándose cual demonios poseídos por ese oscuro paraje.
La diferencia que hay entre el cuadro de jóvenes bellas y pintorescas en un brillante atardecer y estos personajes sacados de un cuento de ultratumba, sólo explican que su visión del mundo y de la vida pasó por el inevitable filtro de la edad, la enfermedad y el rotundo pesimismo.
